Как предметы дизайна становятся арт-объектами
Споры на эту тему ведутся на протяжении всего XX века: как классифицировать мебель по эскизам Сальвадора Дали или керамические вазы Пабло Пикассо? Даже появился термин «функциональное искусство», он описывает арт-объекты, у которых есть не только эстетическая, но и утилитарная составляющая. В конце 1960-х в Италии произошла творческая революция, и появился радикальный дизайн, в котором форма больше не следовала за функцией. Тогда было создано множество вещей, которые сейчас считаются культовыми или иконами дизайна ХХ века. Хотя большинство из них отдаленно напоминают привычный предмет мебели и спустя десятилетия воспринимаются как арт-объекты. В XXI веке плюрализм мнений сохраняется, но по тому, что на художественных выставках все чаще появляются дизайнерские предметы, можно сказать, что они все активнее претендуют на нишу искусства.
С 2018-го на самой крупной российской ярмарке современного искусства Cosmoscow есть отдельная секция Design, где представлены галереи, торгующие авторским или коллекционным дизайном. А с этого года такой же раздел появился и у «младшего» спутника Cosmoscow — ярмарки blazar.
Софья Симакова, соосновательница галереи Sample и куратор раздела «Дизайн» на blazar, рассказывает: «Два года назад в ММОМА Sample провела выставку "Среда обитания", где были представлены объекты 50 российских авторов. Она вошла в топ-50 самых популярных событий 2022 года. Тогда и появилась идея отдельной ярмарки, посвященной только дизайну».
В декабре 2023-го Sample объявила open call, и его результат мы увидели в сентябре этого года: дизайн-экспозиция на blazar собрала 50 независимых авторов, восемь галерей коллекционного дизайна и 13 проектов от архитектурных бюро в рамках спецпроекта «Прототип» от Sample и мастерских «Своды». На последних Софья делает особый акцент: получились интересные творческие высказывания, которые можно рассматривать и как арт-объекты, и как прототипы для дальнейшего тиражирования. Но все-таки предметы, выставленные в Музее Москвы, она считает дизайном. «Авторы, которые создали большинство объектов для blazar, — архитекторы или дизайнеры. И свои работы они позиционируют как дизайн, несмотря на то что те не всегда практичны и созданы в одном экземпляре. Просто это не тиражный и не массовый продукт», — объясняет она.
У Ирины Будцевой-Виницкой другой подход: произведения своих авторов она считает одновременно и искусством, и дизайном. Ее Booroom Gallery в этом году отмечает десятилетний юбилей. Это одна из первых галерей современного искусства, появившихся в Москве, где был представлен предметный дизайн. С самого начала выставленные в ней объекты претендовали на звание арта, будь то скульптурные светильники Ginger & Jagger или лаконичная мебель Кристофа Делькура. Сейчас достойную партию им составляют произведения Коли Дыхне и Лены Соловьевой. У галереи по-прежнему есть свой четко выраженный стиль, который определяется личным вкусом владелицы. «Отбирая предметы для Booroom Gallery, я не обращаю внимания на жанр, для меня важны ремесленнический подход, выбор натуральных материалов и художественная концепция. Страна происхождения тоже не имеет значения, это может быть Франция, Италия, Россия или Португалия, — говорит Ирина. — Если посмотреть на международные ярмарки, то мы увидим смешение искусства и дизайна. При таком сближении эти сферы обогащают друг друга. Сейчас практически невозможно определить по каким-то критериям, к искусству относится объект или к коллекционному дизайну».
В качестве примера Ирина приводит кресло Namoradeira бразильца Жозе Занина Калдаса, которое ее галерея представляла на выставке PAD в Париже в апреле этого года. Оно было создано вручную в 1960-е годы как знак протеста против массовой вырубки лесов в Бразилии. Но повышенное внимание посетителей привлекала не его история, а форма: кресло похоже на качели, где два человека располагаются лицом друг к другу, причем садиться и вставать нужно одновременно, иначе можно упасть. «Нам всем хочется эмоций, и нам важно то, что вокруг нас. В стремительно развивающемся мире человеку нужно замедляться. Искусство и коллекционный дизайн, которыми мы себя окружаем, вызывают именно такие эмоции и чувства — они нас замедляют. Думаю, в этом кроется секрет высокого спроса на уникальные и редкие вещи», — объясняет Ирина.
Междисциплинарный художник Тарас Желтышев — мастер сторителлинга, и на этом строится концепция всех его проектов. Биоморфные формы предметов мебели объяснялись знанием анатомии, которую он изучал во время учебы в мединституте, а названия и внешний вид скульптур — это собирательные образы, понятные каждому. Например, «Пилюльный человек» символизирует ипохондрика, «Красный страх» является воплощением фобий, а стул Lymphochair, ставший хитом выставки Collectible в Брюсселе в 2019-м, похож на гигантскую клетку нашей иммунной системы. Со временем Тарас создал свою арт-вселенную Yoomoota, которая не ограничивается только дизайн-предметами: в ней есть картины, скульптура, ювелирные изделия и даже мультипликационные проекты. «Мои объекты — это искусство, арт-вселенная, созданная множеством форм и техник. Ограничиться только определением «функциональное искусство» было бы неправильным, — объясняет Тарас. — С моей точки зрения, граница между искусством и дизайном в последнее десятилетие активностирается. Мне близка идея, что искусство — это не столько направление, сколько определенный стиль. Даже статуя античных времен и современная скульптура находятся на стыке эстетики и функциональности, вызывая определенные подвижки в коре головного мозга».
Спрос на Желтышева растет, причем не только у нас в стране, но и за границей. В этом году он показывал свою арт-вселенную Yoomoota на отдельном стенде в рамках ярмарки Cosmoscow, а после отправился на гастроли в Сеул и Гонконг. Его объекты всегда вызывают у зрителей улыбку, напоминающую ту, которая появляется на лице, когда встречаешь близкого человека. На вопрос, с чем связан такой повышенный интерес к дизайну со стороны арт-сообщества, Тарас отвечает так: «Мне кажется, все с тем же пересечением функционального и эстетического, которое на самом деле было в искусстве всегда. Сейчас мы стали больше задумываться о психологии, о том, как вещи влияют на нас и почему полезно окружать себя арт-объектами в повседневной жизни. Этому отчасти и учит нас авторский дизайн. Коллекционеры, как и кураторы, считывают визуальные смыслы в объектах, обращаясь к авторскому описанию или наделяя их собственным видением. Дизайн является прекрасной формой взаимодействия, особенно тактильного».
Архитекторы бюро Saga уже не новички в сферах дизайна и арта. Они изобрели свой концептуальный язык, на котором общаются с окружающим миром, и тоже строят свою вселенную, только в ней есть большие архитектурные формы, интерьеры и предметный дизайн. Бюро исследует и переосмысляет существующие типологии объектов, смело экспериментирует и демонстрирует абсолютную свободу в выражении. Один из последних проектов — с азербайджанским брендом Chelebi — был представлен на Cosmoscow 2024. Для этой коллаборации Алина Квирквелия, соосновательница бюро Saga, разработала коллекцию мебели, в эстетике которой тесно переплетаются этнические азербайджанские мотивы и ультрасовременный дизайн. Chelebi плотно сотрудничает с Азербайджанским национальным музеем искусств, анализирует образцы прикладного искусства и представляет их современную интерпретацию в виде предметов интерьера, глиняных ваз, статуэток и подсвечников, которые легко принять за музейные экспонаты — выдает их только функциональность и то, что их можно трогать руками.
Мнения о том, что граница между дизайном и искусством лишняя, придерживается и Наталья Маслова, основательница 3L Gallery: «На мой взгляд, она не нужна, тем более что провести ее все сложнее. Много состоявшихся современных художников работают над созданием арт-объектов. Зачем разделять их на арт и дизайн? Важно, чтобы это было искреннее концептуальное высказывание, заставляющее тебя мыслить, видеть или чувствовать иначе, и не имеет значения, холст это или предмет». Дизайнеры, с которыми сотрудничает 3L Gallery, создают для галереи эксклюзивные проекты — идея трансформируется и превращается в объект, и он не всегда бывает функциональным. Среди авторов Роман Климов, Марина Бессонова, Lavdansky Studio. Наталья ценит эксперименты с материалами, оригинальные способы выражения замысла, поддерживает художников и дизайнеров и работает над повышением интереса к их творчеству в России. «По сравнению с европейскими странами у нас огромный потенциал как в создании объектов, так и в развитии интереса к авторскому и коллекционному дизайну», — уверена она. Если судить по тому, как много новых имен появилось в последние годы на арт-ярмарках и профильных выставках, с ней можно только согласиться.
Автор: Ольга Сорокина. Фото обложки: экспозиция в секции «Дизайн» на ярмарке blazar 2024 / пресс-служба
